Tannhäuser
Tannhäuser – Musically Strong, Scenically Unconvincing

Tannhäuser. Vocally, the performance did not consistently rise to the level one had hoped for. Eric Cutler, in the title role, struck us as somewhat one-dimensional over long stretches. He sang with considerable commitment and sustained the part with stamina, but his Tannhäuser lacked real interpretative differentiation. This was already evident in the Venusberg scene of Act I. In “Dir töne Lob!”, in particular, the contrast was striking: the harp played its introduction and accompanying figures with extraordinary delicacy and beauty, shaping the music with a refinement that seemed to open up precisely the sensuous and inward expressive world the passage requires. All the more disappointing, then, was the tenor’s entry, which seemed comparatively blunt and effortful, as though little had been taken from the atmosphere the orchestra had so carefully prepared. Sheer effort and volume often appeared to count for more here than tonal nuance, verbal inflection or any real shaping of the musical line.

The Conceptual Cabinet of Curiosities
Het conceptuele rariteitenkabinet van het Regietheater

Het Conceptuele Rariteitenkabinet van het Regietheater. Ironie is het duizenddingendoekje van de hedendaagse regie. Handig, veelzijdig en vooral populair bij mensen die hun Morgenmuffeligkeit tot levensmotto hebben gemaakt en niet meer geloven dat schoonheid zonder aanhalingstekens kan bestaan.

The Conceptual Cabinet of Curiosities
The Conceptual Cabinet of Curiosities

The Conceptual Cabinet of Curiosities. Irony: the favorite Swiss Army knife. Contemporary directing harbors, likely out of incompetence, an almost pathological fear of sincerity. You see it time and again: comical extras during tragic music, sexually charged actions in formal scenes, ugly sets to strip the music of its noble aura.

Simone Boccanegra (English)
Simone Boccanegra (English)

Simone Boccanegra. And then there’s Jetske Mijnssen’s direction. We have to admit: we’ve seen worse. The director “transposed” the opera to 1871, the year the revised version premiered. Two questions arise: 1) Why relocate? 2) Why 1871? The idea that the nineteenth-century costumes and sets place the characters in a world closer to Verdi himself than to medieval Genoa is utter nonsense. What is closest to Verdi is his own opera, and that is set in Genoa in the 13th (or 14th?) century.

Turandot in New York
Turandot in New York

Turandot. I love traditional productions as much as the next fellow, but I take Regie productions one at a time. Claus Guth’s Freudian look at Salome was the most potent and disturbing iteration of that opera I’ve ever seen, while the Met’s Carrie Cracknell-conceived Carmen is absolute junk – no Spanish flavor, and a second act that takes place in a moving railroad boxcar! If the audience is puzzled or disgusted, you’re doing something wrong. Worse, even, was Simon Stone’s Lucia di Lammermoor, now taking place in a run-down town in the American rust belt, peopled by drug addicts and cameramen filming the action. Wretched.

Simon Boccanegra
Simon Boccanegra

Simon Boccanegra.
Er was ook een regie, en we moeten zeggen: we hebben het erger gezien. Zij “verplaatste” de opera naar 1871, het premièrejaar van de herziening. Twee vragen vliegen ons gedachtenraam binnen: 1) Waarom verplaatsen? 2) Waarom 1881? Dat de negentiende-eeuwse kostuums en decors de personages in een wereld plaatsen die dichter bij Verdi zelf staat dan bij het middeleeuwse Genua is je reinste kul. Wat het dichtst bij Verdi staat, is zijn eigen opera, en die speelt in Genua, 13 eeuw (of 14e?), naar wij dachten.

ELEKTRA
ELEKTRA (English)

ELEKTRA. Nothing is happening on stage. And the costumes do everything they can to maintain this sense of nothingness. Elektra is a car mechanic clad in overalls; she’s trying to fix the family car, but the damn thing won’t start, so she just sits down on a low wall to sing a little. Needless to say, in addition to the car, the inevitable video projection also made an appearance. In short, where are we here, what are people doing here, and why not? What artistic catastrophe is unfolding here?

ELEKTRA
ELEKTRA

ELEKTRA. Op het toneel gebeurt niets. En de kostuums doen er alles aan om deze nietsigheid  in stand te houden. Elektra is een overall gehulde automonteuse; ze is bezig de auto van de familie te repareren, maar het kreng (de auto)  wil niet starten, dus gaat ze maar een potje zitten zingen op een muurtje. Onnodig te vermelden dat er naast de auto ook de onvermijdelijke videoprojectie haar opwachting maakte. Kortom, waar zijn we hier, wat doet men hier en waarom niet. Welk artistieke catastrofe vindt hier plaats?

Pelléas et Mélisande

Pelléas et Mélisande. Sara Blanch was a superb Mélisande, attempting a diverse role, one requiring stamina, a middle voice, and total immersion in a character on stage for almost all the opera. She seems to be the same person on the outside, but is the victim of changing moods, and thus so it is in the music that we discover her performance’s beauties.

Wij van WC-Eend
Wij van WC-Eend….

Wij van WC-Eend. Wanneer medewerkers van externe recensiewebsites tegelijk bijdragen leveren aan Odeon, wordt de discussie over journalistieke onafhankelijkheid gevoelig. In dit kleine cultureel ecosysteem van “opera in Nederland” lopen kritiek, toegang, netwerk en institutionele belangen door elkaar heen. Opera is tenslotte niet alleen een kunstvorm, maar ook een sociaal stelsel van foyers, premières, ons-kent-ons en daaruit voortvloeiende wederzijdse afhankelijkheden..