Psychologische Durchdringung

Die Titelrolle der unglücklichen englischen Königin gilt seit der Uraufführung als Paraderolle für den dramatischen Koloratursopran. Damals sang die legendäre Giuditta Pasta diese schwierige Rolle. Im 20. Jahrhundert wagten sich u.a. Maria Callas, Beverly Sills, Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Edita Gruberova und in den letzten Jahren auch  Anna Netrebko an diese grosse Herausforderung. In Genève stellte sich nun die junge Elsa Dreisig dieser immensen Rolle. Dreisig besitzt einen klar geführten und koloratursicheren Sopran, der auch trotz des jungen Alters der sympathischen Sängerin  die geforderte Dramatik aufweist. Da sah man dieser Anna Bolena den ein oder anderen scharfen Spitzenton gerne nach. So zeichnete Elsa Dreisig ein rundum gelungenes und mitreißendes Porträt, einer einst vom Ehrgeiz getriebenen Frau, die im ersten Akten beklagte, die Königinnenkrone habe ihr kein Glück gebracht (“Come, innocente giovane”), Ihr berühmter  Ausruf  “Guidici ad Anna ” brachte treffend ihr Entsetzen über Enricos geglückte Intrige zum Ausdruck und in der fulminant vorgetragenen  Schluss-Cabaletta “Coppia iniqua” gelang es ihr wahrlich, für Gänsehaut-Momente zu sorgen. Dazwischen lag jedoch noch das zentrale Duett “Sul suo capo aggravi un Dio” zwischen Anna und Giovanna, das wohl das Herzstück einer jeden Aufführung von Anna Bolena darstellt. Hier führte die Sängerin eine mitreißende psychologische Durchdringung von Text und Musik vor, wobei ihr jedoch leider mit  Stéphanie d’Oustrac eine adäquate Mezzosopran-Partnerin als Giovanna fehlte.

Unausgeglichenes Klangbild

Die französische Mezzosopranistin verfügt zwar über eines solides und wohltimbriertes Material, leider schaffte sie es jedoch nur teilweise, dieses im Sinne des Belcantos einzusetzen. Es fehlte über weite Strecken  jene (Atem-)Technik, die es braucht, um Donizettis lange, belcanteske  Phrasen überzeugend zu vermitteln, stattdessen versuchte die Sängerin im imposanten historischen Kostüm, sich irgendwie mit Ausdruck durch den Abend zu retten. Das gelang jedoch nur bedingt und sorgte für ein sehr unausgeglichenes Klangbild, was bei einem solchen Belcanto-Werk wirklich fehl am Platz ist.  Schade, da die Sängerin in dieser Inszenierung die Giovanna deutlich intriganter und berechnender spielte, als dies sonst der Fall ist und sie bei diesem interessanten Ansatz auch stimmlich deutliche Akzente hätte setzen können. Alex Esposito dagegen, sang den König Enrico mit markantem schwarzem, jedoch auch elegantem Bass. Hier stand eindeutig der Verführer gegenüber dem brutalen Ehemann im Vordergrund und überzeugte auf ganzer Linie.

Edgardo Rocha

Eine absolute Luxusbesetzung präsentierte die Genfer Oper mit Edgardo Rocha als Sir Riccardo Percy, der in dieser Rolle vor zwei Jahren bereits im benachbarten Lausanne das Publikum zu Begeisterungsstürmen hingerissen hatte. Das geschah auch dieses Mal, präsentierte Rocha doch als unglücklicher Geliebter Annas mit seinem herrlichen, bei Rossinis Musik  geschultem Tenor,  eine vollendete belcanteske Gesangskunst. Dabei waren das häufig gestrichene Terzett Anna-Enrico-Riccardo und die für den Star-Tenor Giovanni Battista Rubini komponierte Arie “Vivi tu” unvergessliche Höhepunkte. Lena Belkina sang mit warmem Mezzosopran einen  ausgezeichneten Page Smenton, Michael Mofidan einen stimmlich präsenten Lord Rocheford, während Julien Henric als intriganter Sir Hervey mit ausdrucksstarkem Tenor für den König spionierte.

Müdes Lachen

Und wahrlich, spioniert wurde in der Inszenierung von Mariame Clément in der Ausstattung von Julia Hansen an diesem Abend viel. Ein blauer drehbarer Würfel mit zahlreichen Öffnungen und Türen, der das Grundgerüst des Bühnenbilds bildete (Ein ähnliches Bühnenbild hatte man an der Bayerischen Staatsoper bereits bei Jonathan Millers Anna Bolena-Inszenierung Mitte der 1990er Jahre erlebt), erinnerte in abstrahierter Form an die Gemälde von Hans Holbein, dem Hofmaler Henrys VIII. Während dieser Würfel die Innenräume des Schlosses Windsor und auch im zweiten Aktes des Towers of London  andeutet, sieht man im Hintergrund ein Waldgemälde. Immer wieder werden – warum auch immer – diverse Tiere, wie ein erlegter Hirsch oder überdimensionale Vögel sichtbar. Die von Hansen entworfenen Kostüme belassen die Handlung zwar im historischen Tudor-England, verwendeten jedoch für  Riccardo, Lord Rocheford und Smenton unter den historischen Jacken moderne Hemden – was fast so wirkte als traue sich die Regisseurin heutzutage nicht mehr, ganz auf die Wirkung historischer Kostüme zu setzen. Im Sinne dieses Zeitgeistes war auch die Masturbation des Pagen Smenton im Bett der Königin zu verstehen, was nur noch ein müdes Lachen seitens des Publikums erzeugte. Der Verzicht auf das Tragen der Männer von Degen kreierte zudem die unlogische Situation, dass sich Riccardo bei seinen Suiziddrohungen am Ende des ersten Aktes mit einer Klinge “aushelfen” musste, die er zufällig auf dem Nachtkästchen (!) der Königin gefunden hatte.

Werk-dienliche  Inszenierung

Bis auf diese Einschränkungen zeigte das Regieteam jedoch eine weitgehend gelungene und werk-dienliche  Inszenierung, mit einer an vielen Orten intelligent-psychologischen Personenregie, wobei die Oper aus der Perspektive der alten Königin Elisabeth I., der Tochter von Henry und Anne erzählt wurde. So war die spätere “Virgin-Queen” bereits als Kind eng in das Geschehen eingebunden und bekam so aus der Sicht eines Kindes die Intrige mit, die ihr Vater gegen ihre Mutter angezettelt hatte. Dies war sehr berührend gezeigt.

Frische Interpretation

Die psychologische Herangehensweise der Regisseurin wurde auch von Dirigent Stefano Montanari aufgegriffen, der am Pult des  Orchestre de la Suisse Romande eine frische, dynamische-akzentuierte Interpretation der Anna Bolena lieferte, bei der man Donizettis unglaublich spannender Musik atemlos folgte. Der Einsatz eines Klaviers bei einer Oper, bei der jedoch bereits die Verwendung von Secco-Rezitativen durch den Komponisten überwunden war, ergab jedoch wenig Sinn. Eine großartige Leistung erbrachte, der von Alan Woodbridge einstudierte Chor, welcher klanggewaltig am Schicksal der englischen Königin teilnahm und dieses kommentierte.

Am Ende dieses drei Stunden und 45 Minuten dauernden Abends, fehlte für mich jedoch in der Gesamtbeurteilung dieser gelungenen Opernaufführung insgesamt etwas die Grandezza, welche stets den Reiz von Gaetano Donizettis Königinnen-Dramen ausmacht. Nichtsdestotrotz erhielten am Ende alle beteiligten Künstler stehende Ovationen.

Marco Ziegler